호림박물관에서 일할 때 고려백자를 전시하며 묘한 느낌이 들 때가 있었습니다.

분명 흰색 백자인 건 맞는데 톤이 조선백자와 달랐달까요? 조선백자는 쨍하고 투명한 흰색이 많은 데 반해 고려백자는 글씨를 지울 때 쓰는 하얀 수정액 느낌이었죠. 조선백자 안에서도 흰색이 여러 갈래인데 고려백자는 또 다른 결이었습니다. 이때 색의 스펙트럼이 매우 넓다는 점에 대해 새삼 실감할 수 있었습니다.

현재 호림박물관에서는 《미묘지색(微妙之色)_고려백자와 조선청자》 특별전을 하고 있습니다. 고려청자와 조선백자가 익숙한 시선에 새로움을 더할 수 있는 전시입니다. 이렇게 대세가 아니었던 것을 조명하는 전시는 익숙해져서 그냥 지나칠 법한 것을 다시 생각하게 해줍니다. ‘왜 이렇게 보이는가, 왜 이렇게 느끼는가’를 되새겨보며 나를 들여다 볼 수 있다는 점에서 좋은 것 같습니다.

전시는 다음 주 금요일(7/31)까지 합니다.

1. 고려백자, 왜 조선백자와 하얀 색감이 다를까?

고려시대에도 백자는 있었습니다.

다만 조선시대의 백자와 흙 · 온도 등 제작 방식이 달랐습니다. 고려시대 백자는 하얀 흙에 청자와 유사한 유약을 사용했습니다. 다만 색을 낼 만큼의 철분은 없었죠.

유약이 거의 투명하니 아래의 흰 흙이 그대로 비쳐 흰 그릇이 됩니다. 여기에 가마 온도가 충분히 오르지 않아 유약이 다 녹지 못해 완전한 유리질이 되지 못했습니다. 그래서 빛이 통과하는 대신 표면에서 흩어져 우윳빛이 됩니다.

조선 백자가 맑고 투명한 흰색이 많다면, 고려 백자는 하얀 색 페인트를 칠한 것처럼 색다른 맛을 느끼게 하는 이유입니다. 전시에서 백자를 보실 때 어떤 흰색인지를 한번 보세요.

2. 조선청자, 왜 고려청자와 푸른 색감이 다를까?

1460년대에 경기도 광주에 왕실 전용 가마가 세워지고, 조선은 백자의 나라가 됩니다.

이 가마에서는 17세기 후반까지 청자도 조금씩 제작되었습니다. 조선시대 청자는 백자와 같은 흙으로 빚고 청자 유약을 입힌 그릇입니다. 그래서 '백태청자'라고도 부릅니다.

청자 유약은 거의 투명해서 아래의 흙 색이 그대로 비쳐 나오는데, 고려청자의 흙은 회색이라 유약과 만나 푸른 빛이 짙고 깊어집니다. 반면 조선청자는 하얀 흙이다 보니 고려청자보다 더 옅고 맑은 청색이 나옵니다. 형태는 조선시대 백자와 닮아있고 색만 달랐습니다. 형태는 조선시대 백자와 유사하고 색만 달랐습니다

고려청자의 깊은 비색(에메랄드색)은 철분 성분이 많은 회색 흙이 청자 유약 아래에서 색을 받쳐주어 생긴 깊이였거든요. 그런데 조선시대 청자는 그 '받침'이 흰 흙으로 바뀌니 빛이 통과하며 색이 더욱 맑고 산뜻해진 느낌이 드는 겁니다.

그러면 백자의 시대에 왜 굳이 청자를 만들었을까요? 왕실에서 신분에 따라 쓰는 그릇을 나눴기 때문입니다. 세자는 동궁에 거처한다하여 '동궁마마'라고도 부르죠. 오방색에서 파란색은 동궁이 위치한 동쪽을 상징합니다. 그래서 왕은 백자를 쓰고, 세자가 머무는 동궁은 청자를 썼습니다. 이러한 상징성을 위해 왕실 가마에서 청자를 제작했던 겁니다.

일본 미술의 명품을 보려면 일본 외에 어디로 가야 할까요?

아마 많은 분들이 파리를 먼저 떠올릴 겁니다. 실제 19세기 후반의 프랑스 미술은 '자포니슴(Japonisme)'이라는 용어가 확립될 정도로 일본 미술의 영향을 많이 받았습니다. 현재 파리의 기메미술관은 유럽 최대의 아시아미술 컬렉션을 자랑하고, 일본미술만 1만 점이 넘습니다. 우리나라 미술품도 많이 소장한 곳이기도 합니다.

그런데 의외로 최고 수준으로 평가받는 일본미술 컬렉션은 다른 곳에 있습니다.

런던과 보스턴입니다.

영국박물관의 일본미술 컬렉션은 약 4만 점 규모로, 일본 외에는 가장 포괄적인 컬렉션 중 하나로 꼽힙니다. 그중에서도 가장 높은 평가를 받는 건 우키요에(浮世絵)입니다. 미국 보스턴미술관 역시 일본 밖에서 손꼽히는 일본미술 컬렉션을 갖춘 곳입니다.

즉, 프랑스에서 일본 미술의 유행이 시작되어 여러 수집가들에 의해 런던, 보스턴 등 다른 도시로 확산되었다고 할 수 있습니다.

7월 25일(토)에 우에노에 있는 도쿄도미술관에서 <대영박물관 일본미술 컬렉션: 백화요란 - 바다를 건넌 에도 회화> 특별전이 시작됩니다. 개관 100주년 기념이라고 합니다. 참고로 우리나라에서는 더 이상 ‘대영박물관’이라고 하지 않고 ‘영국박물관’이라 하는데 일본은 아직 섞어쓰는 중입니다.

이번 전시는 영국박물관이 소장한 일본 미술 4만 여 점 중에서 엄선한 200여 점을 선정해서 소개하는 구성을 취하고 있습니다.

전시 섹션별로 소개하면 다음과 같습니다.

섹션 1. 일본 미술을 한 자리에 모으다.

영국박물관의 일본 미술 컬렉션 형성에 기여한 인물 다섯 명을 소개하며, 컬렉터의 각기 다른 취향과 그에 따른 소장품이 무엇이었는지를 소개합니다.

섹션 2. 고향으로 돌아온 그림들

이 전시가 초점을 맞춘 것은 '첫 귀향'에 있습니다. 영국으로 건너간 뒤 처음으로 다시 일본에 돌아온 작품들이 오거든요. 물론 반환은 아니고 대여해서 전시하는 거에 불과한데 의미를 이렇게 부여했습니다. 마루야마 오쿄(円山応挙)의 <호랑이가 새끼를 건네는 그림 병풍(虎の子渡し図屛風)>가 대표작입니다.

그리고 눈길을 끄는 건 합작입니다. 훗날 영국 국왕 조지 5세가 되는 조지 왕자와 화가 구보타 베이센(久保田米僊, 1852-1906)이 함께 그린 <반딧불이 그림(蛍図)>입니다. 왕자가 점들을 찍고, 화가가 그걸 반딧불이로 완성했습니다. 외국의 왕자와 화가가 붓을 나눠 든 이 작품은 영국박물관 일본 미술 컬렉션이 사람과 사람 사이의 교류에 기반하고 있다는 것을 상징합니다.

섹션 3. 판화로 제작한 우키요에와 직접 그린 우키요에

에도시대를 대표하는 우키요에 화가 8인의 판화가 나옵니다. 여기에 기타가와 우타마로(喜多川歌麿), 가쓰시카 호쿠사이(葛飾北斎), 가와나베 교사이(河鍋暁斎)의 육필화(肉筆畵, 붓으로 직접 그린 우키요에)가 더해집니다. 우리가 흔히 아는 우키요에는 여러 장 찍어낸 판화지만, 육필화는 유일한 한 점이라는 점에서 희소성이 있습니다. 원래 우키요에가 처음 유행할 때도 육필화로 시작했습니다. 대량 복제된 이미지 뒤에 가려져 있던 화가의 화법을 직접 확인할 수 있다는 점에서 우키요에 연구에 중요한 자료가 되기도 합니다.

섹션 4. 150년 만의 재회

바다를 건너갔던 후스마에(襖繪, 미닫이문에 그린 그림)가 약 150년 만에 다시 만납니다. 후스마에는 본래 한 세트로 그려지지만, 팔려나가는 과정에서 뿔뿔이 흩어지는 일이 잦습니다. 헤어졌던 화면들이 한 공간에서 재회하는 장면은 이 전시가 교류와 재회, 그리고 귀향에 초점이 맞춰져 있다는 것을 압축해 보여줍니다.

그리고, 손안에 담긴 파도

전시를 다 본 뒤에는 전시회에서만 판매하는 <The Great Wave 쿠키 캔>도 만날 수 있습니다. 이 쿠키 캔은 호쿠사이의 <가나가와 앞바다의 파도 아래>를 유리화로 옮기고, 측면에는 출품작을 본뜬 우키요에 타일을 28칸 격자로 배치했습니다. 모두 다른 그림들입니다. 바다를 건너 돌아온 작품을 전시로 보고, 나갈 때는 작은 캔으로 손에 쥐고 가게 하는 셈입니다

전시는 7월 25일(토)부터 10월 18일(일)까지 도쿄도미술관에서 열립니다. 우에노에는 도쿄국립박물관, 국립서양미술관을 주로 가는데 이번에는 도쿄도미술관도 방문해보세요.

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직장에서 나와 독립할 당시 하고 싶었던 일은 크게 세 가지였다.

"글을 쓰는 일상을 영위하자"
"1년에 한 번은 좋은 사람들과 아트 투어를 가자"
그리고 "좋은 논문을 소개하자"였다.

공부를 계속 하면서 ‘이렇게 좋은 연구성과가 많은데 세상에 알려지지 않다니’라는 아쉬움이 늘 있었다. 나도 그랬지만 대부분의 연구자들은 자신의 시간과 돈을 투자해가며 논문 한 편을 발표한다.

국내 학술지는 학회 가입비, 심사비, 게재료 등 50~100만원 정도 내야 하고, 해외 학술지는 200~500만원 정도 내야 논문을 게재할 수 있다. 시간도 한 편을 쓰기 위해 최소 반 년은 투자해야 한다. 연구 지원을 받는 게 아닌 이상에는 모두 그러하다.

이처럼 연구자들은 각자 자신의 시간과 돈을 들여가면서 연구를 하고 있다. 인풋-아웃풋의 관계가 명확한 것을 추구하는 요즘의 시각으로 볼 때는 미련해보일 수도 있겠지만, 원래 학문의 길이 그러했고 이런 사명감들이 쌓여 지금의 지적 토양이 마련된 것이다.

여기까지는 나도 순응하는 건지 별 생각이 없었는데, 한 가지 아쉬웠던 것은 이왕 이렇게 고생해서 새롭게 밝힌 사실이 전혀 유통되지 않고 있다는 데 있다.

연구자들끼리 하는 자조섞인 농담에는 “원래 논문은, 쓴 사람과 심사하는 사람만 읽는 거잖아”가 있다.

그러다보니 미디어에서 <세한도> 얘기를 할 때는 조금 과장하자면, 여전히 “스승 김정희에 대한 제자의 의리와 이에 대한 고마움을 표현했다” 밖에 하질 않고 있다. 조금 더 보태면 논어의 한 구절을 그림으로 표현한 것 정도?

그리고 문인화를 이해하기 위해서는 동아시아에서 회화를 그린 주체에 대한 이해가 선행되어야 하는데, 여전히 "학식 높은 선비가 취미로 그린, 잘 그리기보다 뜻을 앞세운 그림" 정도로만 이야기된다. 조금 더 보태면 사군자에 군자의 지조를 실었다는 것 정도?

물론 이 이야기들도 중요하다. 다만 그 다음 이야기, 더 깊은 이야기도 알려지면 좋겠다는 바람이 있었다. 그리고 이 이야기는 논문에 담겨 있다.

개론서 위주의 강의와 책이 많은 현재, 논문으로 공부를 하는 시간을 마련하면 좋겠다는 생각에 <미술사 깊이 읽기 클래스>를 준비했다.

이 생각은 내 경험에서 비롯된 것이기도 하다. 학부생 때 개론서는 암기할 것만 많을 뿐 잘 이해되지 않을 때가 많았는데, 주제별로 논문을 찾아 읽고 나서야 비로소 내용이 머리에 들어오기 시작했다.

<미술사 깊이 읽기 클래스>는 미술사의 아이디어를 검증해가는 과정, 작품을 분석해가는 과정, 그리고 납득 가능한 해석이 무엇인지를 다양한 주제로 배우는 데 도움이 될 것이다.

미술사를 처음 공부하는 사람들에게도 이 수업이 지식의 뼈대가 되어주리라 생각한다.

미술사 깊이 읽기 클래스

글이나그림, 미술사 논문, 미술사 수업, 미술사 스터디, 아트앤팁

미술사 깊이 읽기 클래스

작년 한 해 동안 모든 미술사 수업을 녹화해놨다.

수강생들의 복습을 위한 것이지만 온라인 클래스 제작도 염두에 뒀다. 내 미술사 수업의 본질이자 목표는 '미술사의 흐름을 명확하게 이해하고, 작품을 주체적으로 감상할 수 있는 눈을 키우는' 데 있다.

대개 미술 작품은 자신이 느끼는 게 답이라고 하지만 100% 들어맞는 말은 아니다. 해석에 정답은 없다. 하지만 납득 가능한 해석은 있다. 그리고 보편적으로 인정되는 해석 또한 존재한다.

그렇기에 내가 작품을 보며 무언가를 느끼기 전에 학계에서 인정되는 기존의 해석과 그 해석이 나오기까지의 논리를 아는 게 중요하다.

"미술사의 뼈대를 잡는 온라인 클래스"

영상 편집을 처음 해봐서 생각보다 시간이 오래 걸리지만 점점 모양이 완성되어 가고 있다. 7월 중순에 오픈할 예정이다.

누구나, 언제, 어디서든 미술사의 기초를 공부하고 싶은 이들에게 도움이 될 수 있도록 학습지 형태의 워크북도 제작하고 있다.

작품을 둘러싼 에피소드들을 알기에 앞서 작품의 양식, 그 시대의 미적 경향, 그리고 미술이 전개되어온 전체 흐름을 공부하는 데 도움이 되리라 기대한다.